Cinephagus

Cinephagus riparte

2010-10-01T11:42:00.005+02:00

Eccoci qua, in forma più che mai, pronti a ripartire per una nuova stagione di Cinephagus, il blog, la trasmissione, il trend.

Le novità di quest' anno saranno molte, ma è bene anticiparle un po' per volta, con calma, senza parlare troppo, o troppo a vanvera.

La formula cambia. La squadra è la stessa, i contenuti anche: Michele Baldini e Enrico Prosperi parlano di cinema di genere. A modo loro.

Cronache dei Morti Viventi (Diary of the Dead), di George A. Romero (2007)

2010-04-13T11:06:00.005+02:00

"sparate alla testa! sparate alla testa!"

Jason, uno studente di cinema della Pennsylvania vuole realizzare un film horror indipendente da presentare alla mostra scolastica assieme ai suoi amici Debra, che è anche la sua ragazza, Tony, Tracy, Eliot, Ridley, Gordo, Paduma e al suo insegnante con problemi di alcool, Maxwell. I ragazzi decidono di girare quindi un video su la mummia, iniziando le riprese in un tetro bosco. Ma dopo qualche ciak, accade qualcosa e accendendo la radio sulla loro Winnebago (un camper), ascoltano preoccupati dei radiogiornali che parlano di scontri in città ed in tutto il Paese, atti di violenza improvvisi e disordini scoppiati senza una apparente causa. E' un ennesimo ispiegabile attacco di morti viventi assetati di carne umana.

A seguito di recidive sperimentazioni finto-amatoriali, dogmiche (Von Trier), radical chic alla Soderbergh che scimmiotta il cinema independente (vedersi l' imperdonabile Full Frontal), Romero, che come sempre se ne sbatte dell' etichetta, realizza un fior fior di capolavoro. Spuntano da un cilindro pieno di trovate attimi di immenso cinema di genere (computer grafica eccellente), critica sociale venata come al solito di dissacrante ironia (lo squadrone di neri, l' episodio della guardia nazionale), riflessione sul cinema e sull' immagine. Attraverso un rigore formale coerente ed impeccabile Romero riesce ad essere ecumenico e non può non piacere a tutti, pur odiando tutti. Michele Baldini

Straordinario Romero, ormai uno degli ultimi cineasti fedeli al proprio rigore morale e visivo. Un film girato da un settantenne ma piu' attuale di quelli dei nostri trentenni. Il mitico George va dritto al sodo e questa volta affronta la questione dell' informazione globale ai tempi di you tube, come sempre in chiave morto-vivente; si aggiorna sui nuovi effetti speciali digitali e li piega alla sua fantasia satirico-orrorifica (ci sono un paio di uccisioni di zombi da antologia), cita sé stesso, i suoi emuli, i classici dell'horror, ma soprattutto fa riflettere gli spettatori come e forse piu' che in passato. Subito bypassata l'ipotesi del film alla moda tipo REC, narra una storia di morti viventi come neanche lui stesso aveva mai fatto e nonostante la confezione, che potrebbe sembrare grezza, non lascia la mininima piccolezza al caso, non si concede nessuna distrazione dal giustificare, in linguaggio da reality, qualsiasi inquadratura per andare a finire dove tutto iniziò tanti anni fà (un assedio di zombi). GIGANTESCO. Enrico Prosperi.

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Rififi (Du Rififi chez les Hommes), di Jules Dassin (1955)

2010-04-06T19:51:00.004+02:00

Tony, detto il Laureato, è appena uscito di prigione, dove ha scontato una condanna di cinque anni. Radunata una banda di complici, organizza un audace colpo ai danni di una gioielleria. Il bottino fa gola a tutto l'ambiente della mala ed inizia così una lotta all'ultimo sangue tra le gang rivali: "le rififi", una rissa senza esclusione di colpi per le strade di Parigi.

Il classico dei classici dei Polar. Ne consegue che più o meno tutto riguardo al film è già stato detto e scritto. Vale però la pena ricordarne alcuni spunti, non solo degni di nota, ma soprattutto pietre miliari del cinema da "colpo grosso". Fulmineo a tratti, altre volte didatticamente didascalico offre le sue vette nella scena della rapina, 12 minuti di silenzio totale, pieni di suspense, e nel finale, quando Tony, morente, riporta a casa il figlioccio. Lo stesso Godard, cinque anni dopo, attingerà a piene mani per il suo "A Bout de Suffle" dalla pellicola di Dassin. Michele Baldini

Imprescindibile fonte per chiunque abbia girato in seguito un film di rapina o meglio di "colpo grosso"; scandisce le tappe fondamentali della narrazione di questo genere: presentazione sommaria ma ben caratterizzata dei personaggi, formazione della banda, pianificazione del colpo, realizzazione della rapina, spartizione del grisbì ed eventuali complicazioni. Film sincopato che alterna momenti di stanca a grandi scene di tensione ed esterne che rivelano la maestria dell'espertissimo Dassin. Bogartiana l'interpretazione di Jean Servais, interessanti i tagli avvenuti nel nostro Paese allo scopo di nascondere l'origine italiana di alcuni delinquenti e alcune forme troppo debordanti delle bellissime attrici del cast. Formativo. Enrico Prosperi

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Ci sono cose che voi umani...

2010-03-29T18:20:00.006+02:00

Purtroppo, circostanze strane, equivoche e bislacche ci hanno impedito questa settimana di andare in onda con la consueta trasmissione. Ne siamo solennemente dispiaciuti. Tuttavia non abbiamo voluto rinunciare alla pubblicazione del consueto post del lunedì, nel quale, di seguito, tratteremo i precedenti che hanno provocato il riprovevole accaduto.

Tutta la settimana, gli impegni di lavoro (?) di Michele e di Enrico (inviato per conto di Indie-eye al Korea Film Festival di Firenze) sono stati molto impegnativi, rendendo impossibile la vbisione del film settimanale nelle giornate di lunedì, martedì, mercoledì e venerdì.

Giovedì, che si era rivelato l' unico giorno disponibile, ci siamo inchinati allo strapotere mediatico di Raiperunanotte trasmessa da Europa 7, della quale di seguito ve ne diamo il forse più geniale spunto.

Vi aspettiamo infine per le prossime puntate, dalla prossima settimana, per le quale promettiamo di impegnarci moltissimo, e di ricavare quanto più tempo possibile dai nostri impegni per diffondere con religiosa virtù il pensiero cinefago.

Il Seme della Follia (In the Mouth of Madness), di John Carpenter (1995)

2010-03-22T17:35:00.004+01:00

"Lei non legge?"

Alla ricerca dello scomparso Sutter Cane, autore di romanzi horror “che vendono più di Stephen King”, il detective assicurativo John Trent riesce dopo accurate ricerche in compagnia della bella Linda Styles, redattrice dello scrittore, a trovarlo nella cittadina apparentemente immaginaria di Hobb's End, visto che non figura nelle carte geografiche ufficiali, ma è lì che sono ambientate le storie di Cane. Una volta arrivati però, tutto inizia a mischiarsi tra la realtà e la fantasia, diventando la realtà stessa un romanzo e viceversa... Fino alla fine del mondo.

Si possono vagliare varie teorie a riguardo, ma tutte portano ad un bivio. Questo film significa qualcosa... o non significa un bel niente. Il bello è che dopo un iniziale shock, post-visione, si tende ad apprezzare ben altri aspetti, e a dare al film ben altri significati. E' comunque Carpenter il creatore e il regista di questo mondo fantastico, filtrato attraverso gli occhi dello scrittore Cane. Ci lascia penetrare in un gioco a scatole cinesi, di cui alla fine anche lui, forse, perde il controllo, fermo restando che la cosa possa essere involontaria, e ci regala comunque un insieme di visioni, deliri, trovate e soluzioni a dir poco fantasiose. La visione ideologica, se c' è, è estremamente pessimista e ce n' è veramente per tutti: letteratura di consumo, assicurazioni, massa ignorante, religione, grandi e piccini. Il circo Carpenter ci stupisce con effetti speciali. Michele Baldini

Il grande Carpenter si misura con il vate di Providence. Mai e poi mai mi azzerderei a criticare colui che ci ha dato Distertto 13, 1997, Vampires, Ghost from Mars e altre fantastiche cavalcate nel mondo dei generi shakerati e nelle colonne sonore originali. Però questo film va preso con le molle: belle critiche ai mass media, ottimi effetti speciali, deliranti scene onirche di varchi dimensionali, intelligenti spunti di giochi di specchi, sulla narrazione che genera sé stessa, ma ad un certo punto l'intreccio che si nutre di trama diventa maniera e si ripiega in vortice confuso e troppo enigmatico, si fa poco chiaro e si perde la caratteristica peculiare dell' autore ovvero la scorrevole e istantanea fruibilità delle sue opere. Comunque C. esce a testa alta dal confronto con Lovecraft che al cinema ha creato problemi a quasi tutti quelli che hanno cercato di sceneggiare i suoi contagiosi deliri. Sam Neill come sempre è a suo agio nei ruoli che portano alla follia. Track di apertura e chiusura metallona di statura epocale. AMBIZIOSO. Enrico Prosperi

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L' Ululato (The Howling), di Joe Dante (1981)

2010-03-15T19:41:00.004+01:00

"esistono gruppi di persone,
esseri che vivono tra noi,
che non sono uomini, né animali..."

La giornalista Karen White si occupa di un serial killer che lascia piccoli "smile" adesivi sui luoghi del delitto. Fissa con lui un appuntamento, per fare l' esca, ma ne rimane profondamente scioccata. Decise, su consiglio del Dott. Waggner, di prendersi una vacanza per rilassarsi presso una casa in campagna denominata "La Colonia" assieme al marito. Ma l' incantevole luogo, è in realtà un branco selvaggio di licantropi.

Imperfetto eppure pieno di fascino, il film reinagura il genere licantropico con nuova vitalità, riempiendosi di make up anni 80 (il mostro uomo-lupo è veramente spaventoso) e di ironia, spesso sottovalutata, rivolta nella fattispecie alla televisione-verità. Troppi i riferimenti cinefili e le allusioni sociali per enumerarli tutte, basta ricordare che Dante ha un solo difetto, prestare più attenzione ai dettagli che alla storia. Michele Baldini

Il Dante americano è ironico e socio/critico forse piu' del nostro. In questo fumettone a sfondo lupesco che sembra solo un divertissment funzionale a tre trasformazioni licantropiche tanto innovative quanto raccapriccianti, coglie la palla al balzo e inserisce le sue classiche "sparate ad alzo zero" su società americana e sopratutto comunicazioni di massa che già all'epoca erano in piena esplosione mondiale. Con il suo stile da cartoon esprime anche la convinzione che tutto comunque gira intorno al sesso anche le questioni mannare. Poca tensione che non va a scapito dell'orrore; i mostri fanno veramente paura solo a vederli anche se per essere ferini sono un po' lenti ed impacciati. Scena di amplesso silvestre con trasformazione sul piu' bello assolutamente mitica. UUHHUUUUU. Enrico Prosperi

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Spaceman contro i Vampiri dello Spazio (Kotetsu No Kyojin - Kaiseijin No Majyo), di Teruo Ishii (1957)

2010-03-08T19:51:00.006+01:00

"Le potenze interstellari dalle quali sono incaricato
mi hanno ordinato di proteggere l' universo
e di farvi regnare la pace"

Spaceman combatte contro una razza aliena in procinto di conquistare la Terra. Rapimenti di scienziati, mostri e dischi volanti sfreccianti nel cielo popolano una vicenda che è un pretesto per consentire all'eroe di fare sfoggio delle sue eccezionali capacità. Il protagonista è Spaceman, il singolare super-uomo proveniente da un'altra galassia per dare aiuto al nostro pianeta. Vincerà la sua sfida, allontanando per sempre il nemico.

Il nonno dei Power Rangers combatte e si batte nonostante il tempo porti con sé un po' di acciacchi, anzi, parecchi. Ma non perde quell' alone di ingenuità turbato comunque da una reale paura (o fascino proibito?) dell' altro, del diverso, dell' invasore, del mostro. Il che è facilmente spiegabile con il ricordo atomico di nemmeno quindici anni prima, che pesa come un elefante in bicicletta. Lo spettro, l' alieno, il vampiro (come li chiamiamo noi europei, anzi noi italici, il titolo internazionale è Invaders from Space) sono il male, contrapposto al bene che inevitabilmente vince, ed il bene nella fattispecie è il tipico concetto nippponico uomo-stato, che fonde amore, lavoro e patria, in nome del futuro della propria nazione. Michele Baldini

Due bombe atomiche sono un boccone amaro da mandar giu' e un malefico demone da esorcizzare. In Giappone nei cinquanta le direttive erano: patria, lavoro, famiglia e tecnologia: per rilanciare un paese fortemente "scottato" dalle alleanze sbagliate e indebolito dal conflitto finito nei tragici epiloghi che tutti conosciamo. In questa raccolta di telefilm gli autori hanno perfettamente riassunto quelle che si credono essere le fobie piu' pressanti nel periodo inserendole in opere che al primo approccio possono sembrare per "ragazzi" ma comunque in sé hanno tutte le caratteristiche della cinematografia orientale in generale, ma sopratutto giap. Per quanto possono essere strabilianti e a volte strampalate le premesse (fanta)scientifiche, elaborati e sinuosi i costumi e armoniose e marziali le coreografie di combattimento; tanto è ricercata la rigorosita' della messa in scena e la ricerca delle migliori tecniche di ripresa con delle trovate semplici ed efficaci. Questa apparente ambiguità filologica non è tale per i niponnici, non fa altro che rispettare lo spirito di un popolo che è sempre stato in bilico tra il lasciarsi travolgere dllla curiosità per la cultura "aliena" occidentale e il rigoroso rispetto delle proprie tradizioni millenarie ed un fortissimo spirito identitario. Volare nallo spazio come Spaceman rimanendo ancorati a terra come insigni studiosi accademici. CHIAVE DI LETTURA. Enrico Prosperi

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Apocalypse Domani (Cannibal Apocalypse), di Anthnoy M. Dawson (Antonio Margheriti,1980)

2010-03-01T17:55:00.008+01:00

"Voglio sapere che tipo è:
è un terrorista, un sovversivo, un pazzo, un rapinatore,
un maniaco sessuale o che altro?"
"Un veterano del Vietnam,
in permesso diurno dal manicomio..."
"Accidenti, allora è una brutta rogna!"

Il capitano Hopper salva due commilitoni dall' inferno del Vietnam, nel quale i due erano diventati cannibali. Anni dopo, il soldato Bukowski lascia la clinica psichiatrica nella quale è internato assieme al soldato Thomson per un permesso diurno e chiama il suo vecchio capitano. Questi tuttavia preferisce non vederlo, innescando nello psicolabile un nuovo istinto cannibale, che lo porta a scontrarsi contro una gang e la polizia all'interno di un supermercato. L' intervento di Hopper fa sì che Bukowski torni in clinica, dove tuttavia si scopre che in realtà è un virus, per giunta trasmissibile attraverso graffi e morsi dei contaminati, a determinare l' irrefrenabile desiderio di carne umana. Ne resta quindi contagiato anche Hopper stesso e una dottoressa, che insieme agli altri due fuggono dalla clinica attraverso le fogne in cerca del primo volo per il Vietnam...

Margheriti, in un sottile (ed ambiguo) equilibrio tra idiozia, citazione e entertainment a basso costo, architetta una semplice ed efficacie messa in scena del massacro. La tecnica solida, con cui affronta la regìa, tiene bene in moto i meccanismi della suspense e dell' azione, mescolando allo stesso tempo Rambo con Apocalypse Now da un lato e i Mondo Movies e Cannibal Holocaust dall' altro. Laddove il film può poi apparire (o vorrebbe essere) impegnato ad una prima e superficiale lettura (il tema dei reduci) è proprio in tutt' altri campi che emerge una sana e dissacrante ironia. Nonché un raffinato esercizio di esaltazione dei dettagli. Passano in rassegna la morbosità mai esplicita (i rapporti del capitano con la vicina minorenne), la raffigurazione stereotipo della Gang che avvia la lunga sequenza del supermercato, preceduta da una citazione nonsense in cui Bukowski (vogliamo dirne il nome di battesimo: Charlie?!) va al cinema, di mattina, a vedere un film di guerra, fino alla fedifraga ed equivoca storia che la moglie del capitano (diciamolo, è John saxon) intraprende con un vecchio amico dottore. Dante e Tarantino lo adorano, la critica lo ha sempre neutralizzato. Ego Absolvo. Michele Baldini

Altro bis d' annata per Margheriti: piu' bis nel titolo che nei contenuti. Prova sperimentale che da il via al mash-up di generi con contorni di musiche avulse dai temi trattati. Un po' cannibal, un po' Rambo (in anticipo), un po' metropoliziesco. Il buon "Dowson" con la scusa del "commercialone" si diverte non poco con uno script veramente innovativo, uno splatter contenuto e una carica erotica meno esplicita rispetto ai contemporanei ma non meno micidiale; si può parlare di sensualità, che, però, innesca sempre l'istinto cannibale dei protagonisti ed una divisione in contenitori spazio temporali a dir poco sui generis. Cast azzeccatissimo, uno su tutti Giovanni Lombardo Radice, vera icona dell' horror di casa nostra, interprete della scena storica del film (buco nel torso a colpi di pallettoni nelle fogne di Atlanta). ORIGINALE. Enrico Prosperi

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La Furia Umana (White Heat), di Raoul Walsh (1949)

2010-02-22T18:08:00.008+01:00

"Finalmente ha raggiunto la vetta,

ma il mondo gli è scoppiato sotto i piedi!"

Il pericoloso criminale Cody Jarrett, astuto ma dalla personalità instabile e legatissimo alla madre, si costituisce presso la polizia dell' Illinois, autoaccusandosi di una rapina non commessa, in modo da fornire un alibi per un assalto ad un treno merci, nel quale vengono uccise quattro persone e per il quale rischierebbe la sedia elettrica. L' uomo viene condannato a tre anni di carcere, all' interno del quale viene infiltrato un poliziotto sotto falso nome, da Hank Fallon a Vic Pardo, che riesce ad avvicinarlo. Dopo aver saputo della morte della madre per mano di un membro della sua ex banda, Big Ed, Jarrett evade in compagnia di Fallon/Pardo, e cerca rivalsa in un nuovo colpo ad una industria chimica. Finirà male.

Capolavoro del Noir classico e capostipite di quello moderno. Le personalità sono accese, ma sfumate, il crimine e la follia si mescolano, così come l' istinto e la ragione. Walsh si applica con notevole sforzo nella ricerca del possibile e del credibile, avvalendosi e talvolta brevettando futuribili congegni di ricerca che mette in mano agli agenti di un nascente dipartimento scientifico (siamo solo all' inizio della Guerra Fredda e dei grandi sistemi spionistici) e affidando ad un inappuntabile Edmund O' Brien la parte di un personaggio assolutamente contemporaneo, che produce un imprescindibile precedente per i personaggi futuri di Bigelow, Frankenheimer, Pollack, Scorsese, Michael Mann e molti altri. La caratura attoriale di Cagney è semplicemente impressionante. Michele Baldini

Ultimo gangster-movie degli anni d'oro, noir seminale. Omaggio di Walsh ad uno dei generi a cui piu' si è dedicato nella sua sterminata carriera. La statuaria regia sorregge un Cagney che giganteggia in lungo e in largo per tutta la pellicola sprezzante dei chili e degli anni in piu' che si porta dietro rispetto a quelli che il ruolo richiederebbe, inserendo elementi di modernità sia a livello di scrittura che nella narrazione dimostrando interesse per le nuove tecnologie investigative. Il pathos e la tensione psicologica sono portati al massimo pur non appesantendo lo scorrere dei fotogrammi, anzi accrescendo l'empatia per la personalità distorta del protagonista e la scaltrezza dell'antagonista/infiltrato; tinteggiando elementi caratteriali criminali che saranno cavalcati per decenni e decenni piu' tardi. SCUOLA DI CINEMA. Enrico Prosperi

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Rimozione delle puntate arretrate

2010-02-22T17:40:00.002+01:00

Gentili utenti di Cinephagus, essendo la nostra una redazione alquanto ricca di idee e di cultura, ma alquanto povera in quanto a pecunia, non possiamo permetterci un server sterminato nel quale caricare all' infinito le nostre puntate.

Per questo si è reso necessario rimuovere le prime venti puntate di Cinephagus che restano tuttavia a vostra disposizione qualora le richiediate (una o più) a uno dei nostri indirizzi: michele@cinephagus.it oppure enrico@cinephagus.it. Noi ve le spediremo via Megaupload. Basta scrive il titolo del film trattato.

Siete altresì avvisati che questo sistema è adottato ogni dieci puntate.

Ringraziandovi per la vostra cortese lettura vi invitiamo a continuare a seguirci e vi elenchiamo, di seguito le puntate non più direttamente scaricabili da questo sito:

- Ichi the Killer
- Foxy Brown
- Diario Segreto di un Carcere Femminile
- Se Sei Vivo Spara
- Le Fatiche di Ercole
- Wampyr
- La Banda del Brasiliano
- Greta, la Donna Bestia
- I Guerrieri della Palude Silenziosa
- Viaggio Allucinante

Le puntate già archiviate

Viaggio Allucinante (Fantastic Voyage), di Richard Fleischer (1966)

2010-02-15T11:54:00.008+01:00

"I filosofi del medioevo avevano ragione:
l' uomo è davvero al centro dell' universo.
Ed è librato per l' eternità tra l' infinito e l' infinitesimale"

In piena Guerra Fredda, gli Stati Uniti e l' Unione Sovietica hanno contemporaneamente scoperto il modo di miniaturizzare persone e oggetti. La sintesi americana, non riesce tuttavia a stabilizzare il processo per più di un' ora. In grado di fornire la formula c' è solo uno scenziato russo, che viene colpito alla testa da un un proiettile durante un agguato. L' unico modo di salvargli la vita e quindi consocere la soluzione è quello di operarlo. Per farlo uno staff composto da scienziati e militari, viene miniaturizzato e introdotto all' interno del paziente. Avranno a disposizione solo un' ora...

Un classico della fantascienza, che coniuga quasi amichevolmente didattica, psichedelia e cortina di ferro. Straordinari gli effetti stroboscopici "cut & paste" e le scenografie, che ci mostrano il nostro interno, prima di conoscerlo con tutt' altro tono e diversi anni dopo in "Siamo fatti così". Straripante Raquel Welch, indiscutibile Donald Pleasance. Bene gli altri, compreso il petrarchesco dottor Duval (Arthur Kennedy). Lisergico quanto basta per essere intelligente e orginale, senza debordare troppo in inutili barocchismi. Michele Baldini

Avanguardie tecniche nel genere fantascienza. L'impatto visivo di Viaggio Allucinante stravolge i sensi a distanza di 40 anni, nell'era del 3D bis, richiama l'attenzione sul versante "grafico" dell'arte cinema, sull'esigenza degli autori di sfruttare le migliori tecniche disponibili nell'epoca di lavorazione per riuscire a stupire, incantare e evocare la natura illusoria del film. Fleischer non ha certo da imparare, si accaparra le migliori maestranze (che vinceranno Oscar '67 per scenografia ed effetti speciali) trasformando un garage sotterraneo in una base ipertecnologica e lampade mathmos in sistemi circolatori umani e tutti gli effetti ottici disponibili per strabiliare e ricostruire un universo interno meraviglioso. Dissertazioni filosofiche a parte; tende un occhio alla psichedelia (di li ad esplodere come movimento artistico) e un piede ai sentieri dell'avventura pura, mai dimenticando che "la giusta misura sta nel mezzo" tra tensione-azione-contemplazione. Titoli di testa futuribili. PIETRA MILIARE. Enrico Prosperi

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I Guerrieri della Palude Silenziosa (Southern Comfort), di Walter Hill (1981)

2010-02-08T20:16:00.005+01:00

"E' molto semplice:
noi viviamo qui, questa è la nostra casa
e nessuno può romperci i coglioni"

Nel 1973 una pattuglia della Guardia Nazionale della Louisiana si perde in una palude durante un' esercitazione. Quella che poteva essere una scampagnata diventa un incubo, in cui i cacciatori di frodo di etnia cajun tendono una serie di imboscate fatali ai malcapitati volontari.

A parte il fatto che scrivere una storia del genere, e ambientarla in un posto del genere può già dirsi un miracolo, il film ha un tiro irresistibile, ritmicamente esemplare (perfetti gli equilibri tra la costruzione della suspense e l' azione pura) con personaggi folli oltre ogni limite, e quindi reali. Un modo di intendere l' antimilitarismo assolutamente originale, se si considera poi soprattutto quello che la Guardia Nazionale rappresenta, ovvero la "pancia" dell' America, bigotta e reazionaria, che si confronta, uscendone totalmente sconfitta con uomini fuori dal tempo e dallo spazio, figli di una cultura aliena, che rifituta l' integrazione e quindi l' omologazione. Ma non per questo buoni. Una bellissima pellicola di uomini molli per uomini duri. Michele Baldini.

Rigurgiti di coscienza americana; quando il nemico è a 30 km da casa e lo stato pensa a guerre oltre oceano. Cupa riflessione sull'imperialismo, il "destrismo" dell'americano medio e sull'inutilità delle armi. Rara eccezione "civile" nella filmografia del maestro Walter Hill, protagonista del film Il Delta del Mississippi, con le sue paludi, autentico inferno dentro i confini della patria: antagonisti una pattuglia di soldati della domenica (Guardia Nazionale Americana sinistramente simile alle ronde nostrane) di estrazioni, caratteri e idee completamente diverse. Narrazione asciutta, dialoghi scarni, a volte troppo elementari, funzionali però al crescendo esponenziale di tensione fisica e psicologica, e la presenza, per i due terzi del film, ectoplasmatica dei cajun che creano a poco a poco un lento distacco dalla realtà,trascinando soldati e spettatori in un incubo a occhi aperti, crepuscolarmente fotografato da Andrew Lazlo. Lo schema classico (caro all'autore) dell'anabasi di Senofonte culmina in un finale da antologia del cinema che tira in tensione letteralmente fino all'ultimo fotogramma. Liquido e autoctono il monumentale commento sonoro di Ry Cooder. Enrico Prosperi.

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Greta, La Donna Bestia (Greta, Haus ohne Männer), di Jesus Franco (1976)

2010-02-01T23:57:00.002+01:00

"Donne come te ce ne sono poche"

In un istituto di correzione per donne psicolabili (omosessuali, adultere, drogate, ecc.) in realtà prigioniere politiche, le detenute sono sottoposte alle atroci torture della formosa aguzzina, il cui sadismo è coperto dalla connivenza di un medico e delle altre Kapò dello pseudo-lager. La bella Abbie, sorella di una vittima, si intromette come spia all'interno dell'istituto grazie alla complicità del Dr. Arcos.

Un altro esempio di Woman In Prison, genere al quale, senza volerlo, Cinephagus si sta affezionando. Questa volta firmato dal vulcanico e indecifrabile Jesus Franco. La superdotata Dyanne Thorne, nelle vesti di Ilsa o Greta si sposta dai lager nazisti al Sudamerica, dove inveisce contro povere donne accusate di gravi colpe, quali fedifragia, omosessualità, ninfomania, prostituzione. Il pretesto in realtà è debole, e la storia narrata nella pellicola si dipana fra un inizio fortemente erotico-morboso, e una fine splatter, con effetto cross-fade. Protagonisti assoluti sono i seni e i sederi delle detenute, in bellavista praticamente tutto il film, spesso filtrati da torture e lamenti. Interessante la svolta metacinematografica, con finestra aperta sullo snuff-movie, meno la tenuta generale del film, sgarbatamente volgare. Menzione speciale per il look freaky style dei personaggi, soprattutto quelli secondari e per la scena dell' accoppiata di massa. Emozioni gastriche. Sesso obbligatoriamente non depilato. Michele Baldini

Una goccia nell' oceanografica produzione di Jess Franco. Dopo essersi districati dalla selva di peli pubici mostrati, lustrati dopo mille docce sexi e aver dato sfogo a diverse perversioni fetish rimane poco di questo W.I.P. esotico, semi anarchico al confine con l' hard. Da uno che si chiama Jesus è difficile immaginarsi qualcosa di meno cattolico di questo film: senz' altro da riconoscere all' autore c' è una buona visione fotografica, una fantasia grottesco-deviante e la capacità e la volontarietà di essere cinematograficamente indipendente; ma ciò non basta a rendere il risultato poco piu' che accettabile. Nonostante le bellezze d'epoca. SEXY BLANDO. Enrico Prosperi

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La Banda del Brasiliano (A Summer of Rage), di John Snellinberg (2010)

2010-01-25T11:24:00.009+01:00

"Il problema sono quelli come te"

Tra le fabbriche della periferia pratese è rinvenuto il corpo senza vita di un bambino di dieci anni, precedentemente scomparso. Il giorno successivo, in un ufficio di Vaiano, un impiegato di cinquanta anni, Massimo Gori, viene rapito da un gruppo di ragazzi.

L'ispettore Brozzi, vicino alla pensione, è incaricato di seguire il caso, assieme al giovane e inesperto Vannini. I sospetti cadono sulla “banda del Brasiliano”, che ha precedentemente tentato - goffamente - di rapire altri soggetti.
I rapitori sono quattro ragazzi sulla trentina: il Biondo, il Mutolo, il Randagio e il Brasiliano. Il movente del rapimento è in realtà decisamente insolito.
Soltanto le indagini dell’ispettore Brozzi, perseguitato dai ricordi del passato, e di Vannini potranno far luce sul caso…

A Prato succedono cose strane con la crisi, una di queste è certamente la nascita, anzi la maturazione, di un collettivo di nome John Snellinberg. Gruppo di ragazzi che si occupa di produzione di pellicole a basso, anzi a costo zero o quasi. Cinema Borsi, in centro a Prato, la sera della prima, e il clima che si respira è precisamente quello delle grandi occasioni: sala gremita, anche per la seconda replica, e una grande attesa sui volti dei paganti. Poi il film. Ci sono storie che ti aspetti da amanti, anzi feticisti del poliziottesco, cliché ben preparati e confezionati che esaltano i fan (e ce ne sono parecchi) e annoiano chi non ne condivide i gusti, storie che sanno di già fatto e già visto, con inevitabile effetto "usa e getta". Questo ci si aspetta in fondo, e questa previsione si rivela, in modo felicemente sorprendente, essere fallace. I problemi che il film ci racconta sono gli stessi in fondo di un Virzì o di un Soldini, ma è il tono che cambia. Tono che non è quello di cinquantenni che piangono di loro stessi, ma quello di trentenni che parlano di cinquantenni e anche di loro stessi. L' artigianalità e la spontaneità non fanno altro che conferire al tutto freschezza e passione, e l' ora e mezzo di film passa che una meraviglia. Intrigante il personaggio Brozzi, interpretato da Carlo Monni, ispettore sessantenne "che si tira fuori dai giochi". Michele Baldini

Cinephagus on the road again destinazione Prato, cinema Borsi. Anteprima nazionale della produzione cinematografica indipendente "La Banda del Brasiliano". Firmato John Snellinberg. Tutto esaurito per le due visioni programmate in serata; già fuori dal cinema fustigati da un vento polare si respira aria di grande evento. John Snellinberg da par suo non si è fatto intimorire dalla concomitanza con la prima nazionale di "Avatar" e sembra aver vinto la sua sfida. Il film mi spiazza: credevo dalle informazioni a me pervenute che si trattasse di un' operazione vintage, una sorta di rievocazione storica dei poliziotteschi '70 fatta da un gruppo di affezionati del genere ma sbagliavo. Questo è un semplice punto di inizio, lo Snellinberg team si è spinto molto oltre. Mettendo in campo delle ottime professionalità ha destrutturato il genere mantenendo le "regole" principali (all' interno del ristrettissimo budget a disposizione), ma proprio come i maestri dei settanta lo ha riadattato alle misure della contemporaneità evidenziandone le problematica più care al pubblico odierno. Naturalmente con occhio indipendente. Quindi dove nel passato c' era la preoccupazione per una criminalità in crescente escalation ora c' è la paura della disoccupazione e del precariato (non a caso la vicenda e gli autori sono di Prato, una delle zone più colpite dalla crisi), dove c' era la contestazione giovanile c' è lo scontro tra i trentenni ed i cinquantenni ex contestatori che "hanno ciucciato l' uovo e c' hanno lasciato i' guscio", dove c' era la primitiva brutalità della violenza delle bande c' è un' analisi più profonda della vita unita ad una voglia di rivoluzione che non trova modo di sfociare in azioni concrete. Snellinberg smussa(no) gli angoli con escursioni nella commedia pura grazie ad un cast amatoriale straordinario che naviga a 360° fra momenti di suspense e tirate in vernacolo spassosissime e la star Carlo Monni, che una volta abbracciato il progetto interpretando l' ispettore Brozzi, sembra essere l' ago della bilancia nelle controversie generazionali in ballo. La migliore musica in giro commento tutto il cortometraggio, con una lista lunghissima di talenti che rimando all' uscita del disco per "Escalation" dell' O.S.T. L'ALTRA ITALIA. Enrico Prosperi

PROSSIME REPLICHE
giovedì 28 gennaio al Cinema Borsi, Prato. ore 21 e ore 22.40
venerdì 29 gennaio al Cinema Modena, Vaiano (po), ore 21.30
sabato 30 gennaio al Cinema Modena, Vaiano (po), ore 21.30
giovedì 4 febbraio al Cinema Spazio Uno, Firenze, ore 20.40 e 22.30
sabato 6 febbraio alla Faf (Osmannoro, Sesto Fiorentino), ore 21.30 con proiezione cortometraggio "Gioventù, Droga e Violenza, la Polizia Interviene" e festa a seguire.
Per saperne di più www.labandadelbrasiliano.com

Leggi il post su Indie-Eye

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Wampyr (Martin), di George A. Romero (1978)

2010-01-18T11:57:00.007+01:00

"Non accade mai come nei film,
ho visto film dove succhiano sangue tutte le notti,
questo è pazzesco!"

"Vuoi dire che i film non sono reali?
Ma tu così ci distruggi un mito!"

Martin è un vampiro post adolescente che viene ospitato dal suo devotissimo cugino, Dada Kuda, molto più anziano di lui per scacciare la maledizione che lo condanna. Il nemico principale del ragazzo è però l' incomprensione, dalla quale trova scampo solo quando parla nottetempo con lo speaker di una radio e intraprendendo una relazione con una casalinga sola e sfruttata della cittadina, Braddock, Pennsylvania. Il finale sarà tragico.

Incredile tappa "non-zombie" del cinema di Romero, qui nella versione italiana nella quale cambia titolo (da "Martin" a un più domestico "Wampyr") e musica (da Rubinstein ai Goblin) ed è montata da Dario Argento. Un film splendido, in cui convivono le emozioni più forti dell' uomo, ovvero l' amore e il terrore, costruito su inquadrature precise e statiche con una narrazione impalata sul piede di partenza. La suspense alimentata di continuo che implode, nel nulla, spiazzando chi guarda. Citazioni cinefile abbandondanti e nelle righe, l' impegno politico, consueto, del regista, contrario al bigottismo cattolico e all' ipocrisia reazionaria della provincia convive con una lucida e spietata analisi del mondo interiore postadolescenziale, passando anche per il "mercato delle emozioni" fatto dai media e una sana dose di morbosità sessuale, mai più comparsa, almeno in modo così evidente, nei successivi lavori di Romero. Un film con mille domande e nessuna risposta. Perfetto John Amplas (vampiro o umano?) nella parte del protagonista. Doppiamente capolavoro, perché realizzato in casa, con familiari e amici a costi minimi. Michele Baldini.

Il vampiro come malato, o meglio alienato essere avulso dalla realtà. Con questi presupposti Romero gira il suo film piu' "europeo", piu' ermetico, decisamente disturbato. Il papà dei morti viventi si muove su tre piani di realtà diversi: il presente in cui il Martin del titolo originale vive e opera come un necrofilo con la passione per il sangue ed un' inusuale compassione per il dolore delle vittime, il passato/allucinazione fissato in splendidi inserti in B/N d'autore, le telefonate alla radio che svelano l'intimità perversa e labile del protagonista. Non sapremo mai se Martin sia un vampiro o no, ma non importa; importa che non è un superessere, ma un emarginato, un paranoico, rifiutato persino dai parenti, che non fa paura, ma vive in essa diventando predatore sfuggente e subdolo che opera con metodi vigliacchi, guidato da visioni o forse suggestioni cinematografiche. Su questo impianto in prima persona si snodano diverse sottotracce; critica all'estremismo religioso (lo zio Cuda fervente cattolico si rivela piu' sanguinario di lui), satira sul genere horror stesso (Martin travestito da conte Dracula irride lo zio in un siparietto da film muto e Romero stesso interpreta un prete sui generis che sbeffeggia "L'Esorcista"), disgregazione della società (gli altri comunque sono arroganti o preda delle loro ossessioni). In summa il prodotto risulta di ottimo livello grazie ad una produzione a gestione familiare che permette al regista un controllo artistico totale (regia, montaggio, fotografia), ritmo angoscioso (si rimane sempre sulla corda attendendo un "esplosione" che non arriva mai), tagli d'inquadratura che alternano momenti simmetrici a sguardi sbiechi comunque sempre claustrofobici e desolanti anche an plein air e l'erotismo distorto di fondo vero leit-motiv del film. Fortissime e disarmanti le scene di apertura in medias res ferroviaria, del pluriomicidio in villa borghese centrale ed il violento e fulminante finale. John "Martin" Amplas è semplicemente inquietante. Evitare versione italiana. PERLA NERA.

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Le Fatiche di Ercole (1958), di Pietro Francisci

2010-01-11T20:04:00.009+01:00

"Ora ho capito, tu sei Ercole di Tebe! A Iolco si aspettano grandi cose da te!"

Ercole si dirige a Iolco, invitato dal re Pelia per insegnare l' arte delle armi a suo figlio Ifito. Il re è in realtà un usurpatore ma Ercole saprà alla fine sciogliere l' inganno. Nel frattempo si cimenterà in alcune delle sue fatiche ed accompagnerà il legittimo erede al trono Giasone alla ricerca del vello d' oro...

Il mito si rinnova e si adatta sulla misura di chi lo interpreta. Ercole è, per sempre, il paladino del vero e del giusto, e difende i giusti con la forza e l' ingegno. Cosa può importare se la filologia è ampiamente messa da parte (si mescolano addirittura due saghe, quella delle fatiche di Ercole e quella degli Argonauti), se i nomi dei personaggi sono inventati o confusi, e se tutti sono buoni o cattivi al 100%, quando Bava fotografa alla sua maniera (ovvero magnificamente) le magniloquenti scenografie riciclate a costo zero dai set dei kolossal americani, quando succedono talmente tante cose in un' ora e mezza che potrebbero bastare per un telefilm in una produzione contemporanea (e del resto Ercole è diventato poi anche un telefilm), quando si respira il vento (in poppa) di Cinecittà degli anni 50, che ci spinge verso le coste della Colchide girate a Terracina, attraverso le consuete cascate di Monte Gelato? Michele Baldini

Nel 1958 Pietro Francisci fissa le coordinate del peplum, "genere" destinato a spopolare e deragliare nel giro di 7/8 anni; lungometraggi a basso budget che riciclano sia set e costumi di film storici che miti greci studiati a scuola. Opera votata al divertimento puro, che, aggiungerei, giustamente si disinteressa dell'inerenza alle "versioni" greche e latine, ma ne sfrutta l'afflato avventuroso e il coinvolgimento emozionale che hanno sempre avuto da millenni sul pubblico. Steve Reeves, bravo ragazzone americano risulta uno dei migliori Ercole di sempre, unendo all'ovvio sfoggio di forza e muscoli d'acciaio, dei bei movimenti fluidi e dinamici ed un'interpretazione disinvolta e capace a differenza di molti suoi successori discretamente imballati. La regia è scorrevole e valorizza le campagne laziali indorandole di miticità classica, aiutata dal talento visivo di Mario Bava (fotografia) che negli interni si sbizzarrisce estraendo eleganza da qualsiasi immagine e dirigendo effetti speciali sempre credibili; tutto è basato sulle solide colonne doriche costituite dalla scrittura di Ennio De Concini, Carlo Fratini e del regista. Lancio dell'allora starlette Silva Koscina. PICCOLI TITANI. Enrico Prosperi

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Se Sei Vivo Spara (1967) di Giulio Questi

2010-01-04T18:48:00.004+01:00

"Non vi basta quello che è stato fatto? Siete marci, più marci di qualsiasi cadavere!"

Salvatosi grazie all' aiuto di due indiani da una resa dei conti dopo una rapina, in cui tutta la sua banda è stata uccisa, lo straniero (senza nome ovviamente) medita vendetta. Raggiunge così il villaggio dove si trovano i suoi nemici, ma qui, al contrario, i nemici sono ben altri. I malviventi vengono presto sgominati dagli abitanti del villaggio stesso, che si appropriano del bottino. Lo straniero deve ora guardarsi dalla riluttanza che questi abitanti, cinici, avidi, ipocriti, razzisti e violenti gli riservano. In un "tutti contro tutti" finale, senza regole e senza "buoni", per accaparrarsi l' oro in palio, l' unico a sopravvivere sarà però lui, anche se senza bottino.

A metà strada fra Leone e Jodorowski, il lavoro di Questi (o per meglio dire Questi-Arcalli, visto che la coppia ha stabilmente lavorato assieme, il primo alla regia e il secondo al montaggio, vero "co-protagonista" delle pellicole) tende a sublimare l' epopea del west in uno scontro di diverse mostruosità, di aberrazioni della società contemporanea e non, come l' avidità (soprattutto), l' omosessualità, l' ipocrisia, il cinismo. Lo stile, non impeccabile, è dunque eccessivo, e risente, forse, del tempo in cui "se sei vivo spara" ha visto la luce, visti alcuni momenti psichedelico-mistici (il rinvenimento de Lo Straniero), e un montaggio moderno e modernista, quasi godardiano, che tuttavia risulta decisamente "spaghetti-vague". La storia, a tratti lacunosa o fallace, l' inverosimilità di alcune scene (l' oro che si fonde con un incendio cola da uno sportello di legno che resta intatto), la discontinuità ritmica della narrazione, sono alla fine compensate dall' iperrealismo ultraviolento che anticipa le pellicole crepuscolari del genere western (da "Il Mucchio Selvaggio" in poi), da un Milian-Ferruccio Amendola che dove lo metti sta e da una "scorrettezza" di fondo, che è ciò di cui è più ricco (e rivelatore) il film. Sperimentale "nel" genere, e, se dio vuole, non ancora "di" genere. Michele Baldini

Come sarebbe stato lo spaghetti western se avesse "vinto" la coppia Questi Arcalli? Meno primi piani, niente dilatazione dei tempi, niente respiro epico. Avremmo avuto: montaggi ardimentosi, ritmo allo spasmo, soluzioni di continuità non troppo rigorose, soggetti piu' inerenti al periodo storico di stesura che a quello di ambientazione, licenze poetiche poco ortodosse, ma di sicuro effetto. C'e tutta la libertà espressiva e non, che si respirava negli anni di lavorazione: voglia di fare "cappelloni" e parlare di capitalismo che avanza, avidità del genere umano, di società che cambia, di diversità da accettare e di diversità che si impongono con la forza. Il risultato è buono, ma non troppo digeribile per gli amanti della vecchia frontiera. Il lavoro di montaggio di Kim Arcalli (quasi da videoclip) non è l'unico tesoro del quale qusto lavoro è stato saccheggiato, anche in tempi recenti. Finale piu' simbolico che credibile. PIONIERI DEL WEST. Enrico Prosperi

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Diario Segreto di Un Carcere Femminile (1973), di Rino De Silvestro

2009-12-28T21:01:00.005+01:00

"Io sono qui per farti parlare..."

"Pure tu sei una di loro?"

Daniela Vinci, la donna di un trafficante di droga, è arrestata e condotta in un carcere femminile, ma lei sembra essere all' oscuro di ogni faccenda. In carcere la ragazza viene avvicinata da Lilly, detenuta per aver preso a sberle due agenti. In realtà la donna è figlia di Carmelo Musumeci, un grosso trafficante di droga, coinvolto nello stesso reato di cui è accusata Daniela. L’uomo viene catturato e ucciso da una banda rivale. In carcere le condizioni di vita sono molto dure. La povera Daniela, viene perseguitata dalle sorveglianti e brutalmente pestata da altre detenute, chiaramente istruite dall’esterno, fino ad essere avvelenata, dopo aver involontariamente fornito a Lilly (che si trova in carcere sotto copertura ed è la figlia di Musumeci) la giusta traccia. Lilly, rivelati i particolari al commissario si dirige con lui, dopo essere stata scarcerata, verso il luogo dove la droga è realmente nascosta. Ma dall’interno del carcere arrivano le contromosse: Daniela muore in seguito all’avvelenamento, e il direttore del carcere, complice della banda rivale di Musumeci, manda una squadra di killer incontro al commissario e Lilly, che moriranno precipitando con l’auto.

Una non troppo morbosa incursione nel genere W.I.P. (woman in prison) di casa nostra. Firmata da uno dei tanti maledetti del nostro cinema. La storia è in realtà intricata e intrigante, e tutta l' architettura regge al notevole sforzo di disegnare caratteri oltre alla semplice esposizione di nudità femminile che pure è presente in abbondanza. De Silvestro prova a fare anche un passo verso la critica sociale e al tratteggio intimo di personaggi femminili: colpi che non sono sparati a vuoto, ma che feriscono solo di striscio. Resta unn episodio (tra i tanti) da non dimenticare, in un cinema che non si fa più con lo stesso coraggio. Michele Baldini

Quando in Italia si facevano i film di genere per davvero c' era Rino De Silvestro che girava un "woman in prison" e ci faceva vedere un sacco di tette/culi ma sviluppava una sottotrama noir niente male sdoppiando le piste e mostrando di avere numeri validissimi anche nell'azione.
Aiutato da un cast generoso e a suo agio nella quantità industriale di nudi che mostra capace di dare vita a un piccolo bestiario criminale femminile con solo pochi elementi totalmente fuori ruolo. Il gioco funziona e molto bene, il finale pessimistico è il valore aggiunto che dà l'ultima pennellata nera ad un lavoro sottovalutato negli anni anche dai più "tarantolati". Fotografia non sempre all'altezza. ITALIA '70. Enrico Prosperi

Diffondi Cinephagus

Questa settimana niente puntata!

2009-12-21T16:49:00.004+01:00

Cari fan di Cinephagus, ci dispiace proprio di darvi questa triste notizia. A causa della terribile pandemia di influenza suina, che ha colto il nostro povero Enrico di sorpresa, non è stato possibile registrare la puntata di questa settimana. Ma niente paura, il peggio è passato e siamo già a lavoro per preparare una fantastica tredicesima puntata della vostra trasmissione preferita (o per chi ci segue su internet un nuovo post del vostro blog preferito).

A lunedì prossimo!

Rimozione delle puntate arretrate

2009-12-16T17:00:00.003+01:00

Gentili utenti di Cinephagus, essendo la nostra una redazione alquanto ricca di idee e di cultura, ma alquanto povera in quanto a pecunia, non possiamo permetterci un server sterminato nel quale caricare all' infinito le nostre puntate.

Per questo si è reso necessario rimuovere le prime dieci puntate di Cinephagus che restano tuttavia a vostra disposizione qualora le richiediate (una o più) a uno dei nostri indirizzi: michele@cinephagus.it oppure enrico@cinephagus.it. Noi ve le spediremo via Megaupload. Basta scrive il titolo del film trattato.

Siete altresì avvisati che d' ora in poi questo sistema verrà adottato ogni dieci puntate.

Ringraziandovi per la vostra cortese lettura vi invitiamo a continuare a seguirci e vi elenchiamo, di seguito le puntate non più direttamente scaricabili da questo sito:

- Vampires
- L' uomo dalla cravatta di cuoio
- Fracchia la belva umana
- Il clan dei siciliani
- La 24 ore di Le Mans
- Speciale Lucca Film Festival
- Lupin III - Il castello di Cagliostro
- Detour
- Non si sevizia un paperino
- La comunidad

Foxy Brown, di Jack Hill (1974)

2009-12-14T19:55:00.005+01:00

"Voi occupatevi della giustizia, io mi occuperò della vendetta"

Dopo aver perso il compagno per mano di una gang di malfattori bianchi, dediti allo spaccio di droga e alla prostituzione, foxy brown, donna afroamericana, forte e indipendente cerca vendetta, dopo essere riuscita a saperne di più grazie alle dritte del fratello, già di per sé un poco di buono. Riuscirà nel suo scopo grazie anche all' aiuto di un gruppo di pantere nere.

Ci sono pellicole, il cui valore non sta tanto nel tocco registico, nell' originalità della storia, nella limpidezza della fotografia, nel trasporto che suscita la colonna sonora, ma nell' aria che ti fanno respirare. Il caso di Foxy Brown è emblematico. Tutto ci porta negli anni 70. Un vortice psichedelico di colori, musica soul, macchine da sballo e un mondo alla rovescia, che, allora, forse, senza nemmeno prendersi troppo sul serio, pareva possibile. In cui i neri hanno giustizia, la donna è veramente emancipata, e l' azione sacrifica i momenti drammatici, nei quali oggi si spenderebbe più di metà della trama. Back straight to Black! Michele Baldini

Le regole del divertimento e dell'azione non concedono soste; nè per riflettere su spunti sociali, nè per soffermarsi su atti violenti (che nell'economia del film hanno solo valenza grafica). Jack Hill (W.A.S.P.) sa certo farcela spassare con utilizzo di costumi alla moda, auto cool, tette della Grier, inseguimenti, pulp-vintage, bianchi cattivissimi e gran-funky in sottofondo. Forse non tutti gli afroamericani possono essere daccordo con questa visione, ma con rispetto: "chissenefrega questa é blaxploitation e i colori vincono". Menzione d'onore per Antonio Fargas e Sid Haig. CALEIDOSCOPICO. Enrico Prosperi

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Ichi The Killer (Koroshiya Ichi), di Takashi Miike (1999)

2009-12-07T19:22:00.007+01:00

"Ognuno di noi ha una parte sadica e una masochista, ma questo...
Questo Ichi sembra completamente sadico.
Quanto mi piacerebbe incontrarlo"

Il capo di Kakihara, Anjo, viene assassinato in maniera particolarmente violenta e le prove dell'omicidio vengono completamente rimosse da un misterioso gruppo di persone. Kakihara ha l'assoluta certezza che Anjo sia ancora vivo e si mette sulle sue tracce. Durante le sue ricerche, lo yakuza incontra un vecchio soprannominato Jijii che lo indirizza dalla persona sbagliata. Jiji in realtà manovra attraverso una strana forma di suggestione psicologica Ichi, un ragazzo mentalmente disturbato che davanti alle scene di sesso anziché eccitarsi normalmente si trasforma in un killer efferato. Tra mille scene di assoluta e gratuita violenza il film si risolve con la resa dei conti finale tra Ichi e Kakihara, quest' ultimo quasi ansioso di morire tra dolori atroci.

Ci sono storie come questa in cui la truculenza (Tarantino docet) riesce comunque a divertire, sempre che la si guardi con occhi abituati e stomaco forte. Ichi the Killer però non vuole far ridere nessuno al di là delle apparenze. Ichi the Killer parla della mostruosità della mente, della perversione e del crimine attraverso le inquietanti avventure di un assassino psicopatico con la sindrome di peter pan, un sadomasochista che amava il proprio boss perché gli provocava dolore, un misterioso ometto dimesso che si rivela in realtà il deus ex machina dell' intreccio. Soltudine, infanzie infelici. Sfondo metropolitano. Quasi sempre notte. Come al solito la visione occidentalista del giappone subisce una inevitabile e inarrestabile distorsione. E' lo spettro di Hiroshima. Michele Baldini

Il killer numero 1, il piu' psicolabile/patico, il piu'sadico di tutti; il gangster numero 1, il piu' disturbato, il piu' sado-masochista di tutti; il palazzo della malavita crocevia delle nefandezze della città dove le peggiori deviazioni sono consuetudine; il piu' prolifico dei registi in circolazione (minimo 5 lavori l'anno). Ricetta ricca, ispirata (in tradizione giap.) ad un manga censurato preesistente. Riflessione sul piacere ed il dolore a tinte fortissime. Uno dei film piu' esagerati che ci siano in circolazione: barocco nelle citazioni cinefile, ridondante nelle scene sanguinarie, vorticoso nel ritmo martellante. Di sicuro non puo' lasciare indifferenti, ma alla fine della mise en scene si rimane:

A-estesiati
B-divertiti
C-scossi
D-eccitati
E-sconvolti
F-tutto insieme
A voi (e al vostro analista) l'ardua sentenza.
ESTREMO ORIENTE. Enrico Prosperi

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La Comunidad, di Alex De La Iglesia (2000)

2009-11-30T13:54:00.007+01:00

Julia è un'agente immobiliare, che cerca di vendere l'unico lussuoso appartamento di un palazzo fatiscente. Non trovando acquirenti, la donna si insedia nell'appartamento. Quando improvvisamente il soffitto cede a causa di una infiltrazione d'acqua, Julia scopre il cadavere di un uomo morto in solitudine assieme ad una mappa per recuperare oltre 6 miliardi vinti al totocalcio. Dopo aver trovato la fortuna dell'uomo, la donna cerca di portarla fuori ma presto scoprirà che gli abitanti del condominio (i quali avevano partecipato alla giocata della schedina vincente senza aver mai riscosso la vincita) non sono disposti a separarsi dalla loro fetta di bottino e cercheranno di accaparrarsi la fortuna di Julia con qualunque mezzo, anche a costo di uccidere.

Il condiminio è un tipico concetto allegorico di crogiuolo di bassezze umane, (vogliamo parlare dell' exemplum maximo Polanski, che ha dedicato ben due trame, forse i suoi capolavori, Rosemary' s Baby e L' inquilino del terzo piano al tema?) in esse comprese l' ipocrisia, la scarsa discrezione, l' avidità. De La Iglesia, mestierante dell' horror ispanico le riassume in un grottesco quadro claustrofobico, deliziosamente narrato in climax ascendente, superlativamente condotto da Carmen Maura. Vera mattatrice della pellicola. Horror e commedia intrecciate e spinte al paradosso del verosimile. Il riso, lievemente amaro, esoricizia lo spauracchio (ma anche un luogocomune) di molti: il vicino ti odia. Michele Baldini

Nero condominiale mediterraneo: tre parole che possono sembrare combinarsi male, ma nella mente del basco de La Iglesia prendono senso ben compiuto. La gioia di un tredici al totocalcio divenuta croce di una vita intera è il prologo di una storia che parte come una commedia verbosa spagnola anni '90, che con un crescendo esponenziale di ritmo e situazioni grottesche sfocia nell'auto-massacro finale. L'autore punteggia le nevrosi e la caduta dei sogni del consumismo in una surreale critica alla società metropolitana occidentale, non risparmiandosi discese nel guiniol puro. L'insieme è legato da una Carmen Maura a due velocità come l'andamento del film e da un gruppo di attori che riesce a rendere al meglio l'idea di associazione a delinquere di stampo condominiale.SOCIALMENTE UTILE. Enrico Prosperi

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Non si Sevizia un Paperino, di Lucio Fulci (1972)

2009-11-23T16:13:00.008+01:00

"Crescono, sentono lo stimolo della carne,
cadono in braccio al peccato:
bisogna impedirglielo!"

Ad Accendura, paesino immaginario della Lucania, si consumano efferati delitti di bambini. Gli indagati, compresa una fantomatica "maciara" si riveleranno tutti innocenti. Saranno un giornalista e un' avvenente signorina di città (anche lei tra i sospettati) a scoprire il vero e insospettabile assassino.

Inutile spendere molte parole su quello che può essere considerato il capolavoro di Lucio Fulci. Una rivoluzione nel genere. Per ambientazione, storia, effetti, coraggio. Indimenticabili le scene con Barbara Bouchet nuda davanti al bambino che le porta da bere e la lapidazione della Maciara con il commento sonoro di Ornella Vanoni. Un film non capito all' uscita (soprattutto dalla critica) e non ancora del tutto capito adesso, che ha fatto scuola e continuerà a farla. Michele Baldini

La provincia remota diventa teatro dell'orrore; Fulci sintetizza le controversie del boom economico e distilla un giallo bucolico e provocatorio prendendo le distanze dagli schemi del periodo. Argomenti da prendere con le molle: religione e superstizione che vanno a braccetto, arretratezza del sud, pulsioni sessuali preadolescenziali, la malcelata omossessualità e pseudopedofilia dell'assasino, che per giunta è un prete. "Il terrorista dei generi" prima di colpire i nostri occhi (come sua abitudine), crivella la nostra morale cattolica con una storiaccia che a tutt'oggi sarebbe demolita dalla critica. Sequenze di culto a iosa, su tutte il supplizio della Bolkan sulle note di Ortolani-Vanoni. Cast di guerriglieri di genere in palla. CAPOLAVORO. Enrico Prosperi

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Detour, di Edgar G. Ulmer (1945)

2009-11-16T14:18:00.007+01:00

"Assassino... che parola terribile!"

Al è un pianista di new york che decide di seguire la fidanzata partita per hollywood alla ricerca di una carriera nel cinema. Intrapreso il viaggio in autostop riceve un passaggio da un certo Charles Heskell. L' uomo morirà per cause naturali lungo la strada, ma Al, impaurito, in preda alla paranoia, tenterà un' improbabile fuga sulla via della quale incontrerà Vera, impersonificazione della femme fatale...

Prima de "L' uomo che non c' era", "Piccoli omicidi tra amici", prima di "Fuori Orario", di tutto il noir di concezione contemporanea, ma soprattutto di Sartre e Camus, c' era Ulmer. Misconosciuto per più di cinquant' anni. Regista operaio dell' era classica, trattosi fuori dal giudizio "senza infamia e senza lode" con due perle. Una è questa, l' altro "The Black Cat" di due anni prima. Ascesa e declino di un sogno (americano) tradotto in filogenesi dell' accanimento del destino, trattato con i principi essenziali del cinema: narrazione, fotografia, montaggio. Nient' altro. Manifesto (pre)esistenzialista dell' esistenzialismo. Michele Baldini

Fare cinema con 4 set, 5 attori, 6 giorni e tanto talento. Ulmer regala un caposaldo del noir ribaltando i cardini del genere fino al paradosso. Discesa all'inferno di un uomo qualunque guidata da "deviazioni" fortuite; spinge alla riflessione sull'influsso del caso sulla vita comune con l'uso totale del flash-back che innesca la narrazione fuori campo rendendo il tono intimista, venato di paranoia. Lo stile scarno rende la confezione sobria ed elegante e alcuni simbolisimi rivelano le origini europee dell'autore. 65 minuti di assurdo-possibile. GIOIELLO. Enrico Prosperi

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Lupin III - Il Castello di Cagliostro (Rupan sansei: Kariosutoro no shiro), di Hayao Miyazaki, 1979

2009-11-09T21:17:00.006+01:00

"Fin dai tempi del Medioevo c'è sempre stato qualche grosso falsario,
che col suo denaro minacciava l'ordine costituito. [...]
L'uomo dietro questo storico evento è sempre stato qualcuno della dinastia del caprone."

Lupin è alla ricerca dei leggendari falsari della dinastia del Caprone, da sempre feudatari del piccolo paese di Cagliostro. Il caso gli farà incontrare la principessa Clarisse, futura sposa del Conte di Cagliostro. L'ultimo discendente del Caprone è alla ricerca del tesoro segreto della sua famiglia e per trovarlo ha bisogno dell'anello di Clarisse.

Il genio di Miyazaki prende in mano una storia senza capo né coda, guidata solo dai collaudati personaggi, veri e propri "divi" dell' animazione, trasformandola in un travolgente circo di trovate, visioni e colpi di scena ai limiti dell' immaginabile. La solita cifra del maestro è quella dell' esotizzazione della cultura occidentale, che fa accostare un castello sulle Alpi alle rovine di Roma, la solita impeccabile predilezione per prati verdi e congegni meccanici e una estrema licenza poetica in quanto a riferimenti storici. La missione più difficile era dare un messaggio di legalità attraverso una storia che aveva come protagonista un ladro e paradossalmente, il segno è colto. La sobrietà è messa da parte, ma il gusto è sopraffino. Michele Baldini

Le avventure di Lupin secondo il maestro Miyazaki. Primo lungometraggio (1979) diretto e sceneggiato dal fondatore degli studi Ghibli, che già ha in sé le tematiche portanti della successiva filmografia. Il canovaccio noir-fantasy è il trampolino di lancio per dar sfogo alla straripante immaginazione del genio dell' animazione giapponese; il racconto non dà sosta allo spettatore in una ridda di trovate geniali, siparietti esilaranti che stemprano la violenza, architetture fantastiche e la natura incontaminata tanto cara al regista. Si ha la sensazione che tutto sia possibile in questa fiaba. Si accettano con naturalezza le evoluzioni più improbabili e le letture storiche più strampalate. SENZA TEMPO. Enrico Prosperi.

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Lucca Film Festival 2009, Intervista a Umberto Lenzi

2009-11-02T16:49:00.005+01:00

"I miei film erano semplicemente il termometro
che misurava la violenza metropolitana del periodo"

Cinephagus si avventura nella quinta edizione del festival e strappa un' intervista al maestro, scaricabile all' interno della puntata

Visto che certe cose coi tempi che corrono, o le si fanno per passione o non si fanno per nulla, i ragazzi di Vi(s)tanova, un' associazione che richiama sin dal nome parentesizzato un certo ascendente ghezziano (Enrico Ghezzi è dalla nascita, il 2005, una sorta di padrino dell' evento e ha saltato all' ultimo momento quello di quest' anno), hanno pensato bene di giocarsela tutta sulla passione, e darsi da fare per portare nella preziosa cittadina di Lucca pellicole e personaggi di un cinema non sempre al centro della cronaca.
Dopo numerose incursioni nel mondo prettamente underground (Tonino De Bernardi è praticamente ospite fisso, ma non sono mancati negli anni scorsi i vari Kenneth Anger & co. del New American Cinema, il georgiano Kobakhidze, e altro ancora) quest' anno i numeri sono effettivamente quelli da festival di serie A, Andrea Bernardini, codirettore del collettivo che organizza il festival ci racconta gli appuntamenti portanti di questa edizione: Robert Cahen, videoartista francese eclettico e influentissimo attivo dagli anni 80 e un omaggio assolutamente completo all' attore Lou Castel, presente con tutta la sua filmografia essenziale, suggellato dalla proiezione di Orgasmo alla quale partecipa Umberto Lenzi (i due non si vedevano da oltre quarant' anni), da noi intervistato per Cinephagus.
Altrettanto importante la rassegna Sable Noir che ha visto proiettati numerosi film del recente boom di produzioni horror e noir francesi (in rassegna tra gli altri Regarde La Mer di François Ozon, Carne di Gaspar Noé e l' atteso e discutissimo A l' Intérieur di Alexandre Bustillo e Julien Maury). Hanno inoltre collaborato per la cura dell' edizione di quest' anno la Prof.sa Sandra Lischi dell' università di Pisa per la retrospettiva su Cahen, e Manlio Gomarasca e Gianluigi Perrone di Nocturno.
Ottimo e completo anche il catalogo (in vendita a 14€) in cui compaiono numerosi e autorevoli contributi per spiegare meglio la dimensione e i contenuti di questo Lucca Film Festival 09.

Dopo l' autobeatificarsi (con innegabile merito) di Umberto Lenzi, e la forma fisica non più smagliante di Lou Castel, e quindi una certa dose di nostalgia, (entrambi presenti in sala introdotti da Gianluigi Perrone di Nocturno) la visione di Orgasmo, film del 1969, con protagonisti lo stesso Lou Castel e l' americana Carroll Baker ci doveva riservare ben più sorprese. Un thriller più fiacchino dei soliti del maestro, eppure da lui medesimo decantato come “Il film italiano più venduto in America”. Sono più che altro la bellezza "demodé" della Baker e le musiche di estrema sensualità barocca di Piero Umiliani a trascinare una storia che, tirata per quasi due ore, è, sinceramente, da sbadigli. Ma come dire, c' era da aspettarselo. Chi è tagliato per l' azione mal sopporta il carattere troppo sfaccettato nei suoi personaggi e tende a farli o bianchi o neri. Tutto ok nei polizieschi, spesso imbarazzante nei thriller psicologici.
Discorso a parte per il ginecologico A l' Interiéur. A Cannes, nel 2007 aveva fatto alzare la giuria a metà proiezione. Forse non ci aveva fatto lo stomaco. C' è un' estetica in tutto questo in fondo. Si chiama masochismo. E poi le trovate ci sono e il ritmo (tutto suo) anche. Il dubbio però alla fine resta: L' ironia c' è (e allora evviva lo splatter) o no (e quindi la violenza genera violenza, se non altro visiva, cioè puro fastidio)? Michele Baldini

Serata da ricordare al Lucca Film Festival, edizione 2009. La flotta di Cinephagus salpa verso la città delle mura con le vele gonfie dal vento dell'entusiasmo: il programma è dei piu' esaltanti.
Proiezione di Orgasmo (celeberrimo sexy thriller datato 1969), presentato direttamente dal mitico maestro Umberto Lenzi (regista) e dall'attore della ribellione sessantottina Lou Castel (protagonista), mai più rivisti dalla fine lavorazione della pellicola, a seguire visione di A l'interieur, bandiera della nouvelle vague dell' horror francese, già rinomato per aver provocato lo sdegno della giuria del festival di Cannes nel 2007, roba da cinephaghi.
L'accoglienza degli organizzatori è la piu' calda e disponibile che ci potevamo aspettare e in cinque minuti siamo al cospetto di uno degli inventori del poliziottesco e decano dei mille genreri cinematografici.
Umberto Lenzi ci concede l'intervista che trovate più avanti e non smentisce la sua fama di personaggio sopra le righe. Unico nel suo genere.
Durante la sopracitata presentazione colpisce la figura di Castel che possiede ancora il carattere contraddittorio del periodo e dei personaggi che ha incarnato sullo shermo: un uomo che nell'aspetto porta i segni di mille avventure cinematografiche e non, ma che mantiene tuttavia una forma di riservetezza introspettiva, quasi una sorta di insicurezza che lo rende a tutt' oggi un personaggio enigmatico come ai tempi d'oro, e al contempo stride con la personalità del protagonista che vedremo pochi istanti dopo intrerpretato nel film.
Esperienza rivelatoria è stata vedere la pellicola praticamente a pochi metri dall'attore, seduto in mezzo al pubblico: man mano che la proiezione andava avanti c' era la sensazione che la persona in sala, sentita parlare poco prima, avesse sempre meno cose in comune con quella proiettata. A rivelare appunto che, a differenza del pensiero comune, il film non fosse una fotografia del periodo in cui è nato, ma una sorta di bivio, di snodo ferroviario dopo il quale si sono sviluppati due binari paralleli: la realtà "vera" e la realtà "artefatta" del cinema, che vanno avanti nel tempo, ma con modalità diverse e con esiti a volte diametralmente opposti. Pur tornando, in serate come queste, ad incrociarsi per la durata di una visione, confrontarsi e poi riprendere i propri cammini.
La possibilità di specchiare un attore con uno dei suoi doppi è cosa preziosa e di questo dobbiamo ringraziare i ragazzi dell'organizzazione del festival.
Altra chicca è stato Inside (A l'interieur in lingua originale), una delle ultime fatiche della scuola dei "tremendi" francesi, thriller-mattanza che per tre quarti mette a dura prova i nervi e lo stomaco degli spettatori, per perdersi in un finale di inverosimile ridicolo da decifrare se involontario o no. Ottimo dubbio per il finale di serata. Enrico Prosperi

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La 24 Ore di Le Mans (Le Mans), 1971, di Lee H. Katzin

2009-10-26T14:33:00.005+01:00

"Quando uno corre... vive. E tutto quello che fa, prima o dopo, è solo un' attesa"

Sullo scorcio di una delle più importanti e famose corse automobilistiche di sempre, la famigerata 24 ore di Le Mans, si consuma la vicenda del pilota Michael Delaney (resosi famoso l' anno prima in uno spettacolare incidente in cui perse la vita un altro pilota, Dion Belgetti) a bordo della Gulf-Porsche 917. Suo avversario in pista Erik Stahler, pilota Ferrari. Sarà scontro all' ultima curva e all' ultimo colpo di scena.

La macchina organizzativa di uno dei massimi eventi sportivi del mondo al suo apice, il 1970, svelata nei suoi intimi retroscena e ripresa con occhio minuzioso. Ogni ripresa in pista è una sorta di poesia visiva di memoria quasi marinettiana che esalta il rombo e la velocità delle monoposto, e Lee Katzin, regista soprattutto televisivo e pubblicitario fa bene il suo mestiere, in questa operazione che sa più di product placement che di storia di fatti e persone. A margine di tutto ciò McQueen e il suo essere a pieno in una parte che lo impegna per ciò che realmente è: un tipo da vita spericolata. Michele Baldini.

Scarso successo di pubblico e di critica per un lavoro "borderline" che si districa tra film, docu-sport e réclame, meritandosi, sinceramente, più successo.
Celebrazione della leggendaria corsa francese all'apice del boom motoristico mondiale (1970), ci cala, dopo un breve prologo, nel cuore della corsa in un fiume di rombi, sorpassi, auto mitiche e forti emozioni da piloti. La cifra registica rivela ottima professionalità dimostrando molto più interesse per la spettacolarità della velocità che per i dialoghi, formula che si sposa perfettamente con le caratteristiche della superstar protagonista, un McQueen che non smentisce la sua vita spericolata proponendo alla produzione, che glielo impedì per ragioni assicurative, di partecipare direttamente alla corsa. Il risultato é un ibrido molto interessante che risulta scorrevole grazie a un uso del montaggio innovativo (per il tempo), riprese con camera-car in competizione, ricostruzioni in pista con le auto originali e spezzoni di reportage della corsa. DA RIVALUTARE. Enrico Prosperi

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Il Clan dei Siciliani (Le Clan des Siciliens), di Henri Verneuil, 1969

2009-10-19T19:44:00.007+02:00

"Sa perché ho sparato la prima volta?
Perché mi stavano venendo addosso nonostante le mie pistole"

Don Vittorio Manalese, boss siciliano trapiantato a Parigi, e la sua famiglia, si avvale della collaborazione di Roger Sartet, detenuto evaso per mettere a segno il colpo del secolo, a una mostra itinerante di gioielli. Il primo sogna di tornare nella sua amata terra d' origine, il secondo cerca la fuga e la salvezza in Messico. Il commissario Le Goff proverà a contrastare l' operazione ma saranno altri i motivi del fallimento.

Un tris d' intoccabili, Jean Gabin, Alain Delon e Lino Ventura del cinema francesce. Una produzione importante affidata alle sapienti mani di Verneuil che mette in scena un bel romanzo di Auguste Le Breton, in cui convivono azione incalzante (con assoluta assenza di violenza esplicita) e tutte le raffinatezze registiche caratteristiche del cinema d'oltralpe. Ottime soprattutto alcune scelte d' ambientazioni, come l' officina di flipper del boss Manalese e le numerose riprese aeroportuali. Riuscitissimo lo studio sui personaggi di Gabin (Manalese) e Sartet (Delon), meno il commissario Le Goff, salvato ugualmente dalla solita limpida prestazione di Ventura. Bellissima e (suo malgrado) fatale Irma Demick. Imprescindibile la parte del boss americano Tony Nicosia interpretata da un redivivo Amedeo Nazzari. Michele Baldini

Henri Verneuil ci mostra come si intende il poliziottesco in Francia alla fine dei sessanta: violenza si ma sotterranea, storie di persone maledette, codici d'onore criminale e una certa ammirazione per la "mala". Grandi gli interpreti: Delon strabello e maledetto, Gabin a suo agio in veste sicula, Ventura mascella d'acciaio, Nazzari emigrante affermato.
Si nota la precursione del genere Airport, grazie al budget che si nota essere di tutto rispetto. Da segnalare la colonna sonora del Maestro Morricone. POLAR. Enrico Prosperi

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Fracchia La Belva Umana, di Neri Parenti, 1981

2009-10-08T13:19:00.005+02:00

"Com' è umano lei..." Giandomenico Fracchia

Giandomenico Fracchia è uno sfortunatissimo impiegato di un'industria di cioccolato. È preso in giro dai colleghi, odiato dalla donna che ama, bistrattato dal presidente e, per di più, sosia del pericoloso criminale detto Belva Umana. La squisita somiglianza tra i due sarà la fonte di numerose gag e sventure per il povero impiegato e fortune per il pericoloso criminale.

Uno dei classici minestroni (riscaldati) della commedia italiana degli anni 80, uno dei più riusciti, nonostante il repertorio più che riciclato del pur sempre irresistibile fracchia/fantozzi/paolo villaggio, qui accompagnato da sé stesso (ripercorrendo il plurisfruttato tema del doppio), da un lino banfi spettacolare e un esercito di comparse e caratteristi alcuni dei quali impeccabili: Anna Mazzamauro, Francesco Salvi, Sandro Ghiani, Antonio Allocca, Ugo Bologna, Renzo Rinaldi, Renato Cecchetto, Roberto Della Casa, Massimo Boldi, Gigi Reder, Gianni Agus. E un Neri Parenti in una di quelle poche volte in cui oltre a dire "azione" e "stop" si ricorda anche di fare il regista. Il plusvalore arriva da una critica poco velata alle forze dell' ordine, e dalla morale (comune al filone ma mai scontata) che sta dalla parte dei forti (che schiacciano i deboli) e molte gag memorabili. Michele Baldini

Parata di caratteristi per un classico presente nella filmografia essenziale di tutti. Giandomenico Fracchia, alias Paolo Villaggio all'apice della sua parabola surrealista-catastofica è l'alter-ego funzionale per slegarsi dal piu' rigido schema fantozziano e portare la stessa cifra comico satirica in ambito poliziottesco con una punta di critica di costume.
Il susseguirsi di gag leggendarie sorretto da un ritmo insolitamente incalzante per i canoni del regista (Neri Parenti) ci cala in situazioni si iperboliche, ma che non scadono mai nel macchiettismo. Inseguimento pedonale finale notevole. Obbligatorio. Enrico Prosperi

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L' Uomo dalla Cravatta di Cuoio (Coogan' s Bluff), di Don Siegel, 1968

2009-10-05T11:08:00.001+02:00

Un Vicesceriffo dell'Arizona è inviato a New York per ottenere l'estradizione di un assassino. Lo preleva, se lo fa portar via dai suoi complici, è esonerato dal servizio, riacchiappa il criminale.

Il duetto Siegel-Eastwood alla prima prova insieme deve registrare alcuni accordi, prima di arrivare agli apici di Dirty Harry e più ancora di Fuga da Alcatraz, ma questo Coogan' s Bluff resta una importante testimonianza (se non altro) storica di un passaggio, quello dagli anni sessanta e l' epopea western al poliziesco dei settanta. Lo fa con molta approssimazione, ma i cliché ci sono già tutti. Michele Baldini

Aspettando Dirty Harry la premiata ditta Siegel-Eastvood, qui all'esordio, produce un western metropolitano con contaminazioni poliziesche. Qualche ingenuità in fase di sceneggiatura o forse facile qualunquismo (vedi stigmatizzazzione della cultura hippie).
Buono l'uso del Panavision, ottimo per l' incipit in spazi aperti, che applicato agli scenari cittadini da un respiro piu' epico alla grande caccia di Coogan. Mettendo a punto il personaggio di Callaghan; Clint (in forma fisica eccellente con ciuffo rockabilly) gigioneggia nel ruolo del cowboy sciupafemmine e insubordinato, che che si perde nel vortice della grande mela. Da non perdere l'inseguimento finale in moto. Propedeutico. Enrico Prosperi

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Vampires, di John Carpenter, 1998

2009-09-28T14:00:00.008+02:00

Jack Crow è un cacciatore di vampiri al soldo della chiesa cattolica con al seguito una squadra di navigati giustizieri. Questa volta però devono fare i conti con Jan Valék, il primo e il più grande maestro di quelle creature maledette. Sarà battaglia dura e sanguinosa...

Più che un horror un western post moderno, in cui James Woods spadroneggia e si diverte imitando (bene) un John Wayne d' annata. Tutto funziona in una miscela minimale di ritmo, sangue e qualche sparata alla chiesa cattolica. La lezione di Hawks lavorata col bulino da un grande artigiano del cinema. Michele Baldini

Pellicola obbligatoria per chi ama i succhiasangue; azione e tensione al massimo, un pizzico di splatter, spazi aperti incorniciati da una fotografia magistrale e commento musicale d.o.c. La vecchia volpe dello slasher (Halloween) gioca con i generi, impacchettando un western in carta rossa e nera, con un occhio alla lezione dei grandi maestri. Tutto fila d'un fiato dall'inizio sanguinolento al gran finale pirotecnico. Nuovo cult. Enrico Prosperi

diffondi Cinephagus

Enrico Prosperi

2009-09-01T14:02:00.003+02:00

Da quando a sei anni ho visto per la prima volta Lo chiamavano Trinità in TV con mio padre sono stato colpito da una malattia che mi costringe a vedere a tutti i costi quelle figure che si muovono sullo schermo accompagnate dai sottofondi musicali piu' disparati.
Purtoppo sono cinematograficamente onnivoro. Con Michele (vero e proprio deus in machina di questo progetto) collaboro già da un paio d'anni in diverse attività, Radio Radicchio è una di queste. I contatti li trovate qui a lato.

Buona visione a tutti.

Michele Baldini

2009-09-01T14:01:00.001+02:00

E' da un po' che mi dedico al cinema e alla radio, il tutto ovviamente a livelli più che amatoriali. Diciamo che sono un grande estimatore dell' uno e dell' altra. Con Enrico portiamo avanti ormai da due anni un cineforum, e abbiamo entrambi trascorsi (e presenti) su Radio Radicchio. Io ho in più condotto per due anni su Novaradio, la trasmissione dedicata al mondo della lounge music Long Drink Lounge Music. Suono nei Piet Mondrian. Scrivo alcune recensioni per il portale Indie-Eye. Potete inoltre trovare notizie di me su questi siti: www.cateinc.tk, www.associazionelastazione.it, www.5avi.it.

Cinephagus, il blog per chi si nutre di cinema

2009-09-01T14:00:00.005+02:00

Mai sentito parlare di cinema? Quello fatto di pistole, di mostri, di eroi dal volto misterioso e dalla battuta pronta, di belle donne in vesti succinte, di violenza, di ritmo, di colonne sonore che non ti scordi.

Mai sentito parlare di cinema? Quello fatto di registi da un film alla settimana, di budget miserabili, di attori improbabili, di storie sgangherate ma ugualmente appassionanti.

E i film? Cappelloni, poliziotteschi, commedie, splatter, slasher, noir, spaghetti western, film trucidi, spontanei, di mestiere.

Questo è il cinema di genere, a volte di serie B (ma solo per motivi economici), e di questo cinema parla Cinephagus, un' idea di Michele Baldini e Enrico Prosperi, due che non sono critici, non sono registi, non sono professori, ma solo modesti e sinceri (e spesso nostalgici) grandi amatori di questo cinema che sempre più stiamo perdendo.

Lo fa (o lo vorrebbe fare) senza pregiudizi, senza sentenze definitive, con l' intento di suscitare stima, interesse, curiosità, o semplicemente ripescando qualcosa di ingiustamente perduto.
Ma adesso basta parlare perché... quando si spara, si spara, non si parla!

Cinephagus è anche (anzi soprattutto) un programma radiofonico che va in onda:
- la domenica alle 20 su Novaradio
- il martedi e il venerdi alle 14 su Radio Radicchio

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